"Thirst" lo nuevo de Park Chan-wook

El cine oriental es una de mis pasiones más acérrimas, directores como; Tsai Ming-Liang, Johnny To, Kim Ki-duk, Bong Joon-ho o Park Chan-wook, son verdaderos prodigios del séptimo arte. En esta oportunidad es el último quien nos ocupa. El surcoreano Park Chan-wook, nacido en 1963, estudiante de filosofia que hizo sus primeras armas cinematograficas con Jae-young Kwak (director de la celebre My Sassy girl) ya es parte de la historia del cine, y su pase de entrada son las tres películas conocidas bajo el rótulo de: "La trílogia de la venganza" compuesta por "Sympathy for Mr. Vengeance"(2002), "Oldboy" (2003) y "Sympathy for Lady Vengeance" (2005). Podría escribir miles de palabras acerca de estas tres joyas, porque si bien Chan-wook nunca pensó en una trilogia, ya que solo lo vio así tras formar la segunda, el resultado es magistral. No tan solo porque filmo tres películas con visiones muy distintas sobre un mismo tema; la venganza, sino que lo rodeo y lo trabajo desde multiples perspectivas, con argumentos totalmente disímiles. Además el trabajo estético en cada pelicula es totalemente alucinante, desde la silenciosa y onírica "Sympathy for Mr. Vengeance" hasta la paroxistica "Sympathy for Lady Vengeance", pasando por la multipremiada "Oldboy", donde el surcoreano da una clase de ritmo, marcando y dufimando a cada segundo los límites entre sueño y realidad.

Pero bueno el tema aquí es su siguiente obra, que es sobre vampiros (¿no se veia venir con el corto "The Cut"?) y su nombre es "Thirst", que trata acerca de un sacerdote llamado Sang Hyun, quien se desempeña como voluntario en un pobre hospita, hasta que un día aburrido de tanta miseria, decide ayudar en un proyecto para crear una vacuna contra un mortal virus. Dicho trabajo lo lleva a áfrica donde se contagiara una peligrosa enfermedad, de la que milagrosamente sobrevivirá. Ya de regreso en su hogar, mucha gente pegrinara hacía allá convencido de que tiene poderes de sanación, entre ellos, llegará Kangwoo, un viejo amigo de infancia acompañado de su esposa; Tae Ju. La noche que ellos llegan Sang Hyun sufre una recaída y fallece, al amanecer despierta convertido en Vampiro. Los actores que veremos en pantalla serán: Kim Ok-bin ("Dasepo Naughty Girl"), el popular Song Kan-Ho que interpreto al papá furioso de "Sympathy for Mr. Vengeance" y por si fuera poco a aparecido en filmes notables como "Memories of Murder", "Secret Sunshine" y "The Host". También esta Shin Ka-Hyun, el sordomudo de "Sympathy for Mr. Vengeance", que se viste a lo perro de la calle en "A bittersweet life", el reparto también incluye a la caribeña Mercedes Cabral (que aparece en las últimas fotos con Song Ka-Ho, Chan-wook y Shin ka Hyun, respectivamente).
Como se puede ver la trama mantiene motivos clásicos del género, como la enfermedad proveniente de tierras exóticas, y por lo mismo hay que tenerle más confianzal asunto, ya que Park Chan-Wook se maneja a la perfección con los géneros clásicos. Por otra parte la imagen de un cura vampírico-como-actricez caribeñas- en pelicula coreana, va a sacar chispas. Sin duda se viene un Chan-Wook recargado, con el espesor al que nos tiene acostumbrados tanto a nivel de guión como de estética, habra que esperar a ver que pasa, lo que es yo, de este genio surcoreano no me pierdo nada.



A juzgar por las últimas imagenes, parece que las filmaciones con Chan-wook, no son tan duras como sus peliculas, o será que un poco de calor caribeño mezclado con wasabi saco más sonrisas de lo habitual.

Fuente: SeptimoVicio (imágenes y resumen de la trama)

Entrevista a director de Desierto Sur

Desierto sur es sin duda el estreno destacado de esta semana; no es para menos, la opera prima de Shawn Garry hace un año que viene paseandose por festivales alrededor del globo, algo que ya es notable. Sin embargo no se han venido con las manos vacías: en el festival de Mannheim - Heidelberg en Alemania obtuvo el Premio del Público, en el de Viña del Mar arraso obteniendo premios en las categorías de dirección, Premio del Público, Premio del Jurado Joven (si alguien sabe de que se trata esta categoria, por favor escribir) y Premio Especial para Carolina Varleta. Por si fuera poco también obtuvo la distinción a la Mejor Opera Prima en el Festival de Cine Latino de Los Ángeles.
La pelicula gira entorno a Sofía, una joven Española, que tras la muerte de su madre recibe una carta que esta había enviado en vida, porque supuestamente no existe el destinatario; la misiva despierta interrogantes en la protagonista, que la llevan a viajar a Chile en busca de un pueblo llamado: Desierto Sur. Aca les dejo un link donde los muchachos de elotrocine entrevistan a Garry el último día de grabación en la cuarta región, y por si lo antes dicho no los entusiasma, también va el trailer.

Tony Manero

Abrir una crítica sobre "Tony Manero" diciendo que la pelicula se trata sobre un tipo de apellido Peralta, que vive en el Santiago de 1978 en plena dictadura, y que esta obsesionado con emular al personaje de Travolta en "Fiebre de Sábado por la noche" a estas alturas es una redundancia soporifera. Mi segunda opción es comentar los giros de Larraín desde "Fuga", teniendo el post anterior como base, hasta Tony Manero, sin embargo es algo engorroso ,y a la larga terminaría privando a más de algún (potencial) espectador de una sana experiencia comparativa. Pero como ya no puedo darme más rodeos, tener un par de breves aspectos acerca del cambio radical que sufre nuestro director no tiene nada de malo, aún más si logro que algún detractor recalcitrante de Larraín ( que de estos hay muchos) términe visionando la película, aunque sea en DVD. Había pensado comentar una entrevista dada en un país del viejo continente, donde Pablito reniega de sus origenes airadamente (Aquí entrevista fichada y muy bien comentada en blogdecine.cl). Sin embargo no quiero terminar hablando de politica (o mejor dicho, terminar hablando solo, y exclusivamente de politica) que este es un blog dedicado solo, y exclusivamente al séptimo arte. En fin no puedo decir otra cosa, sino que Larraín mastico cada crítica recibida por "Fuga",como esos monjes que comen vidrio o clavos, recibio cada estocada como el mejor de los estoicos. El resultado es que no tan solo decidio jugar con las reglas de nuestro terruncho ( la mejor prueba de ello es que desde el primer afiche "Tony Manero" ostenta el logo del banco de los patitos), sino que decidio mirar a la dictadura, como prácticamente no se ha hecho desde la ficción (porque en cuanto a nuestros doumentalistas, estamos casi sobrados de cariño) a partir de una solidez estética, que hace que los excesos cometidos en el uso de las técnicas de la nouvelle vague (por ejemplo, los planos largos donde la cámara se apropia del espacio, lo subliminal de algunos segundos planos, y porque no decirlo, esa sana, o mala costumbre de echarse la cámara al hombro) se perdonen totalemente. Lo que vemos en Tony Manero es un Santiago periferico y marginal, totalmente opresivo, con sus conventillos y casa semicoloniales que le dan un aspecto laberintico y soporifero. Todo se desenvuelve en una suerte de casona - restaurant donde Peralta vive con un joven bailarín, un par de meseras bailarinas y por supuesto la dueña del boliche. Todas sus relaciones se desarrollan a partir de una violencia que va de lo imperceptible a lo grotesco, teñido con gruesos retasos de la más sucia promiscuidad siempre marcada por la endogamia; el mejor ejemplo es una escena mínima de una fellatio, pero que a pesar de su brevedad golpea como un masazo. Pero sin duda lo más interesante del film, es todo lo relacionado con la idea de cultura y entretención que heredamos de la dictadura; la pelicula inicia con Peralta asistiendo al "festival de la una" a un concurso de dobles de "Tony Manero", sin embargo dicho certamen es en unos días más. De esta forma asistimos al periplo de Peralta por Santiago, cometiendo una serie de brutalidades para poder conseguir los objetos que le permitan parecerse más al personaje de Travolta, hasta que llega el día señalado del concurso. Es ese tránsito del personaje principal, para convertirse en un personaje de ficción el mejor reflejo de la dictadura, bajo todo el oropel, bajo todo esa ilusión de felicidad y prosperidad, mientras somos cegados a través de la caja mágica, siempre esta la violencia más banal y sin sentido cambiando nuestro mundo. En este caso es la televisión, pero bien podrían ser los presos del estadio nacional el 73¨ formando una orquesta, mientras bajo las gradas la máquina de la tortura arrasaba con los cuerpos de miles ( y de paso con nuestro inconsciente colectivo). En síntesis, el abordaje más frontal que se ha hecho de nuestro oscuro pasado; "Machuca", parece un capitulo de Plaza Sesámo, si se la compara con la obra de Larraín y aún más si destacamos la brutal actuación de Alfredo Castro. Sin duda lo más estremecedor para nuestro mundillo local, es que la pelicula haya sido dirigida por el hijo de un émblematico de la derecha, pero en lo personal, lo más estremecedor es que todas las noches prendamos la tele para tratar de saber que ocurre en el mundo.

A la manera de Larraín (prólogo a Tony Manero)

La segunda pelicula de Pablo Larraín viene a confirmar un par de aspectos que se volvierón centrales en la discusión sobre "Fuga". Lo primero es la tendencia a mostrarnos, desde el primer afiche , una estética que rompe con las convenciones del cine chileno de los últimos tiempos: el realismo que quiere ser sucio y crítico, pero que no deja nunca de ser correcto, en este caso es Wood el cineasta ejemplar. Mientras que por otra parte esta ese cine picaresco y vacio ante todo efectista y comercial, que afortunadamente ha calado más hondo en la televisión: peliculas como "Radio Corazón" o esas "arqueologías de la chilenidad" dirigidas por Boris Quercia son la medida. El segundo aspecto, al que bien podría denominar "ontologico", tiene que ver con que Larraín es hijo de un senador de la Derecha, y que por si fuera poco, era bien cercano a Pinochet. Y si esto no era suficiente para sacarle chispas al mundillo artistico - cultural, Larraín se gasto un millón de los verdes, en su opera prima (para que se hagan una idea de la magnitud, SUBTERRA costó lo mismo que Fuga). El símbolo de aquella polémica fuerón los pianos de cola, adquiridos y malogrados durante el proceso de filmación, lo que sin duda fue considerado un acto obsceno, en un país del tercer mundo en el que por aquel entonces : "existian nueve millones de celulaes, y por cada millón de aparatos telefonicos, había un piano de cola". Frase que se repitió bastante por los medios, y que sin embargo algo de tragicomico sigue teniendo. En síntesis, las penas del infierno callerón sobre Larraín, y la calidad de su opera prima no lo ayudo mucho como defensa frente a los ataques, porque hasta el presente día "Fuga" es simplemente un desproposito.

Una de las consecuencias de toda esta parafernalia fue que la discusión se farandulizo, algo que fue potenciado al asistir la bancada completa de la UDI al estreno, en el cual se invirtio una buena cantidad de pasta (si alguien se lo perdió aquí un link de lanación.cl reporteando el asunto). Todo esto genero que la discusión entorno a "Fuga" se centrara en una serie de factores "extrafílmicos", si se le quiere dar un nombre a la cuestión. Sin embargo es interesante observar este fénomeno en la medida en que muchas de las críticas al film esgrimierón argumentos de esa naturaleza (aquí un buen compilado de citas de analizame.cl).Parece ser que esta relación entre las condiciones de producción y la obra en sí, posee más relevancia en el cine que en cualquier otro arte, será porque el celuloide pone en escena sus condiciones materiales de creación. Puede ser un argumento válido, pero si le damos una vuelta a la idea puede volverse más consistente, me refiero a que una pelicula falla en su ejecución, en su puesta en escena cuando las condiciones materiales de su producción sobrepasan, o bien no logran generar lineamientos estéticos. Siguiendo esa orientación podría ser un buen ejemplo las superproducciones hollywoodenses, que ostentan argumentos de orden comercial, o bien que tienen que ver más con el mercado, que con el séptimo arte al ser presentadas a partir de su espectacularidad; de ser capaces de poner en escena lo imposible, dejando de lado cualquier criterio de "verosimilitud". En síntesis trato de entender el estrepitoso hundimiento de Larraín con "Fuga", la influencia que tuvo en esto las condiciones materiales con las que conto su producción, y como esta opulencia tuvo un fuerte correlato político. Deslindar estos problemas sirve para comprender los límites con los que deben trabajar los cienastas nacionales, asi como las condiciones de producción de un país que esta lejos de generar siquiera, una discreta industria cinematografica. Y ya para términar, también sirve para apreciar más en profundidad lo que ocurre con "Tony Manero", como cambia el discurso de Larraín y que influencia tiene esto al generar una propuesta estética clara y contundente, porque no esta demás recordar como se le crítico a "Fuga" haberle dado la espalda a la "realidad" nacional, al pasado reciente en un momento en el que los documentalistas nacionales estaban demostrado que el pulso no les fallaba a la hora de mirar al abismo.

Hacia rutas salvajes (Into the wild, 2007)

"La estupidez es el mejor combustible para crear"
Sean Penn, Director

Christopher McCandles (Emile Hirsh) tiene 22 años, acaba de salir de la universidad y piensa estudiar otra carrera en Harvard, proviene de una familia exitosa; tiene una adorable hermana y sus padres son genios que trabajan para la NASA. Es el sueño americano en todo su esplendor, porque bajo esa apariencia de felicidad pura y dura, se esconde una realidad de violencia y presión psicologica. Una vez instalado en su nuevo hogar, y listo para empezar a estudiar Derecho Christopher saca sus ahorros del banco, poco mas de 24 mil dolares, para donarlos a una fundación de caridad, toma su viejo auto, que pierde a los poco kilometros de viaje y decide atravesar Estados Unidos, a pie, para vivir en Alaska. Algunos pueden pensar que es una road movie, otros que esto es un refrito a lo Kerouac, pero la verdad es que estamos frente a una historia real.



A lo largo de las mas de dos horas de duración de la pelicula, podemos observar el viaje de McCandles por un Estados Unidos desconocido, por unos paisajes sublimes, que son mostrados desde su dimensión mas natural, y que contrastan con las ciudades hiperpobladas. El móvil de la travesia es huir de una vida marcada a fuego por la necesidad de aparentar, y poder encontrar un sentido mas profundo, una motivación para vivir que escape a todo arraigo material. "Into the wild" es sin duda una fábula anticapitalista, pero que escapa a cualquier tópico discursivo al respecto, es un viaje que no niega el dolor; la estructura del film alterna los dos años de viaje de McCandles, que después se hace llamar Alexander Supertramp, con la búsqueda en vano que emprenden sus padres, el dolor de su hermana, porque Christopher jamás se comunica con ellos. Además estan los fantasmas a la deriva, gente que como Supertramp navega a la deriva y sin timón ya sea por elección propia, o porque la tragedia que a veces es la vida los arrojo a la carretera.


Supertramp se relaciona con todos; la pareja de hippies, el anciano que vive en soledad, la adolescente enamorada, y los abandona para seguir con su viaje, dejando de lado toda posibilidad de felicidad; ser hijo, nieto, o novio. Porque su objetivo es volver a la nada misma, desarraigarse totalmente para experimentar la soledad absoluta, y poder vivir en un lugar sobre el que no existen mapas. Pocas peliculas pueden transformarse en una experiencia por si mismas como "Into the wild", prueba de eso es lo salvaje y artificial que nos parece la ciudad, cuando McCandles se ve obligado a pasar por Los Angeles hacia la mitad del film. Prueba de su radicalidad es como la pelicula nos obliga a mirarnos frente al espejo y observar cuanto de realidad hay en nuestras vidas. Sin duda un gran film que lamentablemente nos llego directamente al DVD.

Vive le Horror! (A l´ Intérieur )

En los tiempos que corren las peliculas de terror son consideradas o catalogadas como divertimentos, montañas rusas en las que lo único que importa es la descarga de adrenalina que puede darle al espectador. Pero si nos remontamos al origen de un género que es subcatalogado como fantástico podemos observar como las peliculas de terror y todos sus derivados y evoluciones (Horror, Gore, Slasher, Giallo) tenían un objetivo bastante más noble. El cine de terror surge como una forma de expresar y materializar nuestros miedos como sociedad, engendros como Frankenstein o Drácula, son la representación de nuestros puntos débiles. Observar la evolución desde esas figuras, que al parecer ahora no espantan a nadie, a los simbolos que nos aterran en la actualidad sería un trabajo titánico. Lo que dificultaría la tarea sería el tiempo necesario para separar lo prescindible de lo imprescindible y valioso. Sin duda alguna la perturbadora "A l' Interieur"(Al Interior, Francia 2007) estaría dentro del segundo conjunto.

La premisa de la pelicula es simple: Sarah (Alysson Paradis) esta embarazada, a punto de internarse para dar luz, esta sola en su casa la víspera de navidad, porque su marido falleció hace poco tiempo en un accidente de tránsito en el que ella estaba al volante. Su estado es de tristeza y melancolia, aún podemos ver las marcas del accidente en su rostro, mientras se acaricia la barriga en una mecedora. De pronto alguien llama a su puerta, es una mujer (Beatrice Dalle) que le dice a Sarah que ha tenido un accidente, pero en realidad viene tijera en mano a realizarle un cesárea poco ortodoxa para llevarse a su bebe. A partir de este instante de desencadenara una cruel lucha entre ambas, veremos chorros de sangre y escenas de violencia realmente desgarradoras, todo perfectamente dosificado y trabajado con mucho ritmo, a tal punto que el film se pasea por varios tonos y géneros; suspense, slasher, horror, pero siempre en un in crescendo que hará que el espectador términe prescenciando unos de los finales más pertubadores del último tiempo.


La pelicula inicia con el accidente de tránsito en el que fallece la pareja de Sarah, lo original es que presenciamos la colisión desde un vientre materno: observamos como la tranquilidad del bebe es paerturbada y violentada por el impacto (todo puesto en escena con unos CGI de bastante calidad). Además tiene como telón de fondo los graves disturbios en los suburbios de París producto de los problemas con los inmigrantes. Quizás estos dos elementos que a simple vista parecen marginales, son los mas trascendentales para comprender en profundidad la pelicula. Ya que "A l´ Intériur" pone en escena la violencia y crueldad extrema a partir de elementos claustrofobicos invirtiendo toda posibilidad de seguridad y amparo; el film transcurre en su totalidad en unos poco metros cuadrados del hogar de Sarah, y hasta aquel habitat de seguridad primordial que es el vientre materno se ve violentado. Sin duda lo que más descoloca del film son las escenas de violencia en las que se intercalan imágenes del bebe en el vientre, y podemos apreciar como sufre en cada embestida.
"A l´Interieur" es una gran pelicula, sin embargo no es recomendable para personas sensibles, y a pesar de que soy alguien que apoya el libre albedrío, me atrevo a decir que bajo ninguna circunstacia se la recomiendo un domingo en la tarde a una futura mamá. Así a aquellos que la quieren ver comiencen a buscar por ahi en la red porque lo que es a nuestras salas de cine, ni a tener esperanzas.

Simplemente un clásico (PARTE I)

Antes de comentar lo más detalladamente posible la joya que es Batman: Dark Knight, vale la pena resumir brevemente lo que Nolan nos expuso en "Batman: Begins", ya que ciertos parámetros y cambios son sumamente relevantes de un film a otro para entender y poder atisbar la profundidad que alcanza en su segunda parte. Sin duda el cambio que más llama la atención es lo que ocurre con Gotham, ya que en Batman Begins se nos presentaba una ciudad oscura llena de estrechos callejones, y que en resumidas cuentas reflejaba la corrupción a la que estaba sometida. En Dark Knight el giro es drástico, puesto que la mayor parte de la pelicula transcurre de día, sin embargo lo importante es observar el significado y sentido de un cambio tan relevante, si pensamos que Batman se caracteriza por actuar en las noches y que Gotham siempre a estado revestida de una sobrecargada estética gótica, en Batman Begins esa oscuridad estaba justificada en la realización misma del personaje, en Dark Knight pasa algo más complejo como será verá en la segunda parte. Otro aspecto global que Nolan prefigura de la primera parte a la segunda tiene que ver con los personajes, una de las eternas falencias del comic es lo poco que se desarrolla a los personajes secundarios y el eterno tratamiento maniqueista que se hace de ellos, Nolan en la primera parte los víncula estrechamente y desarrolla distintas dimensiones en cada uno, sin embargo en Begins muchos quedan en la mera presentación
Batman Begins fue una pelicula que tenía como objetivo principal realizar una "reescritura del mito", porque si bien tenia como base el comic "Batman: One Year" del ahora famoso Frank Miller, Nolan no se cerro a las influencia y logro realizar un film donde acudia a otras sobre el hombre murcielago como "The Long Halloween". Sin embargo los elementos que le dierón unidad estética y discursiva al film fuerón los más importantes; Nolan expuso la genesis del mito desde un tono plenamente realista al mostrarnos el camino de formación de Bruce Wayne y como se sumerge de lleno en el conflicto entre el bien y mal. En este sentido la película rompe con ciertos elementos clásicos en la configuración del personaje: Wayne no posee un cerebro brillante, no es el el que inventa la serie de gadgets y vehiculos de los que se sirve, otorgandole ese rol a Lucius Fox (Morgan Freeman). De esta forma elementos que son emblemas del personaje deján de lado su dimensión caricaturesca, el mejor ejemplo es el bátimovil, el cual ya no posee ese aspecto de murcielágo con ruedas y simplemente es un tanque. Quizás el elemento más hipérbolico que podemos rastrear es la fortuna de Wayne, aunque el apelativo de hipérbolico es bastante discutible, ya que el brillante desarrollo de Bruce Wayne como personaje es un contrapunto perfecto a Batman como "mito urbano". Rétoricamente la pelicula sigue parámetros clásicos; Gotham está sumergida en la corrupción y hay que salvarla, Batman se asocia a Jim Gordon (Gary Oldman), quizás el único policia decente que queda, para comenzar la limpieza. Esto es otro de los elementos realistas de la serie, puesto Nolan no le saca el quite acerca del estatuto de legalidad del vigilante nocturno, por ello son de vital importancia tanto el personaje interpretado por Nolan como el de la fiscal y amiga de infancia ( y por si fuera poco, amor imposible) de Bruce Wayne: Rachel Dawes (Kattie Holmes, en Batman Begins). Ambos representan la posibilidad de legalidad en este proceso de limpieza, ya que poseen ideales similares a los de Batman, pero se desenvuelven dentro del sistema. En cuanto a los villanos, primero tenemos a Ra's al Ghul (Liam Neeson) y a el espantapajaros (Cillian Murphy), los cuales funcionan a partir de la lógoca de la conspiración, y poseen un escaso desarrollo, lo que es lógico si pensamos que el objetivo de la pelicula es mostrar la formación de Batman. El film términa con esa posibilidad de redención abierta, Gotham comienza descontaminarse de la corrupción y Batman se alza como el mito que da esa posibilidad.